Какой портрет прозвали русской Моной Лизой?

Еще достаточно молодой, но уже известный и модный петербургский живописец Владимир Лукич Боровиковский, будучи сверх меры загруженным работой, в частности, над портретом императорской семьи, получил еще один заказ.

Заказ поступил от егермейстера и действительного камергера при дворе Павла I С.А.Лопухина. Сей царедворец пожелал запечатлеть на холсте свою будущую супругу, а пока еще невесту, графиню Марию Ивановну Толстую.


И так случилось, что восемнадцатилетняя Мария Ивановна подвигла сорокалетнего Боровиковского на написание портрета, выходящего за рамки традиционной репрезентативности, где на первое место выдвигался статус персонажа, который в свою очередь подчеркивался окружающими атрибутами, призванными засвидетельствовать звание, общественное положение, состоятельность героя. Что-то заинтересовало художника в своей модели настолько, что заставило изобразить окружающие предметы, антураж, играющими несвойственную и неизвестную дотоле им роль – выявить глубокие, тайные стороны человеческого характера.

Впервые в русском искусстве изображается национальный русский пейзаж. Приглушенными тонами, доносящими лиричность настроя, выписываются белые стволы берез, золотистые колосья, васильки, розы, лилии. Сложные градации холодноватого колорита объединяют фигуру девушки и детали натуры в некий гармоничный образ. В линиях пейзажа ритмически повторяется наклон гибкого стана. Простота природы перекликается с простотой одежды и прически героини, подчеркивая их единство.

Техника лессировочного письма, когда сквозь верхние слои живописи просвечивают нижележащие красочные слои, создает впечатление подвижности проступающего образа – грациозная поза, рука, лицо, глаза. Боровиковскому удалось правдиво выразить эмоциональную жизнь человека, написать взгляд – смысл на живом лице, такое случилось впервые в истории русской живописи. Мысленно художник проник в самые глубины душевного мира героини, нюансы внутреннего состояния, сотворил эстетический идеал.

«Неуловимая подвижность фигуры, изменчивость выражения лица, загадочность улыбки»... Подобными фразами зрители выражают свое впечатление, увидев знаменитую «Мону Лизу» великого Леонардо да Винчи. Схожее впечатление производит и портрет М.И.Лопухиной. Невероятно большой диапазон чувств, мыслей, впросов о любви и смерти, эфемерности бытия и его вечности, борьбе и единстве добра и зла способны вызвать и одна, и другая картины.

Техника Леонардо да Винчи раскрыта. Мона Лиза слой за слоем...

Французский исследователь и консультант Центра по изучению Леонардо да Винчи в Лос-Анжелесе Жан Франк объявил о том, что смог повторить уникальную технику великого мастера, благодаря которой Джоконда кажется живой. "С точки зрения техники исполнения, Мона Лиза всегда считалась чем-то необъяснимым. Теперь, думаю, у меня есть ответ на этот вопрос", - говорит Франк.

Справка: техника сфумато – изобретенная Леонардо да Винчи техника живописи. Заключается в том, что предметы на картинах должны не иметь четких границ. Все должно быть как в жизни: размыто, проникать одно в другое, дышать. Да Винчи практиковался в этой технике, разглядывая возникающие от сырости пятна на стенах, пепел, облака или грязь. Он специально окуривал дымом помещение, где работал, чтобы в клубах выискивать образы.

По словам Жана Франка, основная сложность этой техники заключается в мельчайших мазках (около четверти миллиметров), не доступных для распознания ни под микроскопом, ни с помощью рентгена. Таким образом, для написания картины да Винчи потребовалось несколько сотен сеансов. Изображение Джоконды состоит приблизительно из 30 слоев жидкой, почти прозрачной масляной краски. Для такой ювелирной работы да Винчи, по-видимому, приходилось одновременно с кистью пользоваться и лупой. По признанию исследователя, ему удалось достичь лишь уровня ранних работ мастера. Однако уже сейчас его исследования удостоились чести находиться рядом с полотнами великого Леонардо да Винчи. Музей Uffizi во Флоренции разместил рядом с шедеврами мастера 6 таблиц Франка, на которых поэтапно описано, как да Винчи писал глаз Моны Лизы , и две воссозданные им картины Леонардо.

Разгадки Джоконды

Уникальные приемы позволили да Винчи создать настолько живой портрет женщины, что люди, глядя на него, по-разному воспринимают ее чувства. Грустит она или улыбается? Ученым удалось разгадать эту загадку.

Компьютерная программы Urbana-Champaign, созданная учеными из Нидерландов и США, позволила просчитать, что улыбка Моны Лизы на 83% счастливая, на 9% - испытывающая чувство отвращения, на 6% - полная страха и на 2% - злая. Программа проанализировала основные черты лица, изгиб губ и морщинки вокруг глаз, а затем оценила лицо по шести главным группам эмоций.

Если верить биографу Леонардо да Винчи - Джорджо Вазари, неудивительно, что у Моны Лизы преобладают положительные эмоции: «Так как Мона Лиза была очень красива, то во время писания портрета он держал людей, которые играли на лире или пели, и тут постоянно были шуты, поддерживавшие в ней веселость и удалявшие меланхолию, которую обычно сообщает живопись выполняемым портретам. У Леонардо же в этом произведении улыбка дана столь приятной, что кажется, будто бы созерцаешь скорее божественное, нежели человеческое существо; самый же портрет почитается произведением необычайным, ибо и сама жизнь не могла бы быть иной».

A Bani Thani Style Potrait

This portrait is painted in the typical style of the Kishangarh school of Indian miniature painting. Kishangarh itself is a small town in Rajasthan, approx. one hundred kms. from Jaipur.

The lady in this portrait is Bani Thani, and has an interesting story behind her:

King Sawant Singh (1748-1764), the seventh ruler of Kishangarh, was an accomplished poet and artist in his own right. It so transpired that his stepmother employed a young girl as a singer in her palace. She came to the notice of Sawant Singh who fell in love with her. Her real name is not known, but she came to be called Bani Thani, which means smart and well-dressed. She was a beautiful girl who also professed interest in Hindi poetry. She became Sawant Singh's mistress. It is conjectured that the bloom of her youth and beauty not only roused unholy thoughts in the hearts of men who saw her, but also provided inspiration to the Kishangarh artists to whom credit is given for the invention of the Kishangarh facial formula.

Bani Thani here is portrayed with an elongated face, arched eyebrows, lotus-like eyes tinged with pink, a sharp nose and a pointed chin. Obviously, it is an idealization, for no woman would have such eyes, here we notice a resemblance with the technique of the Kangra painters. It is not the beauty of a single person, but the ideal beauty which the artist paints. It is based on the ideal type given in the Sanskrit love poetry, viz. 'Padmakshi' or lotus-eyed. It represents the Rajput ideal of feminine beauty at its best. Those who delight in parallels call her the Indian Mona Lisa. Her face is delicate and refined, more like that of a courtesan. Her eyebrows are curved like a bow. Her neck is decorated with necklaces of pearls and precious stones. She has draped herself in a transparent wrap which greatly enhances her charm. Which woman of today would not envy her dreamy eyes, her shapely nose, her fastidious lips, the glamour of her clothes and ornaments, and, above all, her seductive charm?

Pastel

Pastels are simple to make, ground pigments; soot, chalk or earth are bound together with gum Arabic to form sticks, these can be used for drawing. More complex organic materials are used to make different colours, but basically the production of pastels has remained unaltered since the fifteenth century.

Popular in the eighteenth century, artists specialised in the 'pastel painting' of portraits, for example Francis Cotes. Paper would be collaged onto prepared canvases and used as a more durable support for these fragile works. The high content of chalk as a base for pastels means that it can be easily smudged and smoothed, producing convincing and subtle three-dimensional effects. Drawings need to be sprayed with a fixative in order to prevent further movement on the surface, but not for too long else the particular powdery and translucent quality of the pastels is deadened.

Portrait Drawing Techniques for Children (Ages 9-12)

Today, looking for an interestung information about Portrait Drawing Techniques, I foun an interesting article, that was written by Tara Scott. I'd like to introduce this article to you. May be it will helps you in future.

"What would you think if I told you that children as young as age 9 years old can be taught how to draw realistic portraits of people? Impossible? You may think because of their age they haven’t fully graduated from drawing animation characters, and using color markers, and construction paper. Yes, your child can learn how to draw realistic people portraits using the (five tones of shading, a high quality black and white photo, 8″ x 11″ plastic acetate sheet grid, gridded 8″ x 11″ drawing paper, and a 1/2″ square viewfinder). By using these basic drawing techniques and drawing materials your child will be able to draw a realistic portrait within two hours without taking any previous drawing lessons from an instructor, or ever picking up a sketching pencil and drawing paper.

Are you still puzzled? I was, and I am still puzzled today. I was an independent Art Teacher teaching at Michael’s Art and Crafts, located in Waldorf, MD on Saturday’s. I noticed in my area a lack of art classes available for children ages (5-12). Most of the art instructors taught art to individuals ages 13 to adults. But know one wanted to teach the younger children, or it was hard to find an art teacher close by who would have the patience to teach younger kids, because of their short attention span.

I thought to myself. If a child can learn how to draw animals, landscapes, and animation characters using basic shapes such as a (circle, straight line, angle, curve, and square). They can apply these shapes to draw a realistic portrait of a person. I started reading articles on the Internet and other reference materials on how children learn how to read, write, and draw. I then incorporated my research into a six-week portrait drawing workshop for children ages (9-12).

I learned when a child learns how to read, write, and draw, everything is upside down, or right to left. In other words, they read from right to left instead of left to right. Instead of drawing right side up like adults do. A child will turn their photo upside down to draw, like they are looking in a mirror were everything is in reverse. So I came up with a fun and creative portrait drawing workshop by combining children’s games, 5, 10, 15 minute drawing time drills, grid line drawing, light and shadowing or toning, upside down reverse drawing, etc . I had to think like a child, and reverse the way I was taught how to draw into the way a child learns how to draw.

For example, by the fourth week of classes the students were ready for time drills. You say time drills that sounds like they are in military school. Not quite, time drills helps the student to focus on the shapes, expression, and movement of the subject without using shading. The basics of this technique is to remind the students to draw the subject exactly the way they see it without stopping. The students were given a cartoon character to draw in five minutes such as Mickey Mouse or any cartoon character. I would tell them not to rush because five minutes is a long time. Some students finished sketching the character in less than three minutes. If they finished before the five minutes were up they could go back for the two additional minutes to correct their mistakes and erase out unnecessary lines. The students would do this exercise for one hour alternating between (five to fifteen minutes time drills) sketching as many as six drawings or more.

Another great exercise is the upside down reverse drawing. The students were given a 8″ x 10″ black and white photo, a plastic acetate gridded sheet, and 8″ x 11″ gridded paper. The students were instructed to turn the photo upside down, place the plastic acetate gridded sheet on top of the photo. What they are now seeing is the photo divided into (8) 1″ squares (horizontally), and (11) 1″ squares (vertically). The number of squares on the acetate gridded sheet, should be the same number of squares on the gridded paper. Instead of focusing on the photo the students are now focusing on the shapes, and tones of the subject in each square. The purpose of this exercise is for the students to draw and shade in the shapes exactly how they see it in each square. In other words, its like playing connect the lines, or connect the dots. Once the exercise is completed they now have a portrait of a person with the right placement of the eyes, ears, nose, mouth without spending time making corrections. All of the corrections of the portraits can now be finalized by turning the paper right side up and erasing unnecessary lines and heavy shading.
You may think that you need years of drawing experience to draw a realistic portrait. However, I found that to be false. I have taught students with no drawing experience, and some with a few years of drawing experience. Anyone with the desire to want to learn how to draw can do it. The three key points to remember is:

1) Patience - Go at your own pace. Do not compare yourself to other artists, or you will get frustrated and want to quit.

2) Technique and Style - Everyone has their own unique style. Choose a media or medias that you feel comfortable using. For instance, if you like using oil painting, but feel uneasy about exploring with watercolors. Stick to the oil painting.

3) Practice - I always say this to my students. Practice makes perfect. Then practice again and again."

Портрет – самый интересный жанр живописи

Портрет, согласно определению во многих энциклопедиях и справочниках – изображение человека или группы людей с помощью художественных средств – живописи, гравюры, скульптуры, а в последнее время ещё и фотографии. В некоторых источниках ещё добавляется: «реально существующего человека», но ведь рисуют портреты, например, портрет Бабы-Яги или Дон Кихота, а нет никаких доказательств, что они существовали в действительности.

Художественный портрет – это самостоятельный жанр, который может различаться по поджанрам, например, исторический портрет – это изображение кого-либо из исторических личностей, часто по воспоминаниям или литературным описаниям, а иногда – и по воображению автора. Картины - портреты – на таких изображениях можно увидеть человека во взаимосвязи с окружающими его вещами, природой, интерьером. Костюмированный портрет – человек изображен в виде мифологического, литературного или исторического персонажа, либо же человек изображен в каком-то национальном костюме, например, в XIX веке был очень распространен портрет в русском костюме.

Автопортреты – это портреты художников, написанные с помощью зеркального изображения. Только по автопортретам мы и знаем портреты великих художников мира. В последнее время получил распространение также портрет по фотографии, однако он не является портретом в точном понимании этого слова, ведь это лишь механическое копирование черт лица с фотографии, человек не позирует художнику. Считается, что хорошо написанный портрет – это не просто поразительное сходства портрета с оригиналом, на портрете должна быть передана внутренняя сущность позирующего, то есть не только физические, но и духовные черты человека.

В разные времена были распространены разные виды портретов. Когда-то были модны «парадные портреты», примеры таких картин – портреты русских офицеров в парадной военной форме или европейских монархов, в частности, портреты русских царей. Во многих музеях можно встретить портреты русских полководцев, во многих российских особняках, ставшими исторической ценностью, имеется галерея портретов, в которой можно увидеть портреты русских князей – бывших владельцев поместья. В понятие «русский парадный портрет» входит и женский портрет – живопись с участием моделей-женщин почти всегда парадная, ведь редкая женщина согласится позировать перед художником не «во всей своей красе». Такими качествами обладает русский портрет 18 века, в это же время возникает и такой поджанр портрета, как семейный портрет – картина, изображающая всю семью на одной картине. Такими семейными портретами часто пополнялась портретная галерея.

После стал моден совсем другой вид портрета – когда художник стремился изобразить естественность и спонтанность. Примером можно привести живопись – индейские портреты. Что касается русских живописцев, то русский портрет 19 века тоже часто представляет собой изображения простых людей, запечатленных в самой обычной обстановке. Русский портрет – это вообще очень интересный жанр искусства.

Какой-то период времени было модно все историческое, и на портретах также стали часто изображаться исторические личности, портреты первых русских князей – пример тому. Русский женский портрет тоже часто обращается к истории, взять хотя бы портрет боярыни Морозовой. Исторические личности – это не обязательно политики, изображали на портрете и людей искусства. Живопись – портрет 19 век содержит портреты известных художников (чаще всего это автопортреты, например, автопортрет Айвазовского), портреты русских писателей (Герцена, Гоголя, Грибоедова), портреты русских композиторов (Глинки, Мусоргского, Чайковского), портреты русских поэтов (Жуковского, Лермонтова, Пушкина). О портрете Пушкина вообще нужно говорить отдельно. Возможно, это самый популярный мужской портрет – живопись, ведь описание картины портрет Пушкина изучается в школе. Да и вообще описание картины, портрета – это не только увеличение словарного запаса школьников, это ещё и развитие их художественного вкуса.

Иногда каким-то портретом начинает интересоваться большое количество людей. Как пример – недавний интерес в Интернете, который вызвала картина «Портрет Милы» В.И.Хабарова. Форумы пестрели сообщениями об этой картине, но оказалось, что её мало кто видел. Тем не менее, картина эта существует и является очень интересным портретом девочки-школьницы в стиле советского реализма.

Портреты занимают ведущее положение в музеях мира. Портреты Третьяковской галереи – тому пример. Тут представлен как мужской портрет – живопись, необычайно популярная в середине 19 века, а именно тогда выставила свои первые портреты галерея, так и живопись – портреты женщин, например, портрет М.И.Лопухиной художника Боровиковского, «Кружевница» Тропинина или «Аленушка» Васнецова – ведь эта картина тоже относится к портрету, вернее, портрету-картине. Также включала русская портретная живопись портреты детей. В той же Третьяковской галерее имеется картина «Портрет сына» Тропинина. Или портреты Русского музея. Тут находятся, например, портрет Павла Первого художника Боровиковского или портреты купчих автора Кустодиева. Или портреты картин Серова – возле них посетители останавливаются чаще всего.

Живопись – портрет в частности – это занятие, занимающее большое количество времени. Даже опытный художник напишет портрет только после нескольких сеансов позирования ему модели. Средний срок написания одного портрета в средние века составлял целый год. Но это – среднее значение. Например, Сезанн рисовал портрет человека примерно со ста сеансов позирования, а Гойя некоторые свои портреты рисовал за один-два дня. Если брать современную живопись, портрет занимает четыре сеанса позирования. Часто художник при создании портрета рисует только лицо с натуры, а остальное – интерьер, платье – дорисовывал позже. Так поступал, например, Веласкес. Он рисовал платье модели отдельно, наряжая в наряды манекены, а Ван Дейк часто рисовал с натуры только лицо человека, а руки и фигуры «заимствовал» у других моделей – более изящных. В любом случае сначала рисуется лицо человека, а затем уже – все остальное. Многие известные художники сами рисовали только руки и голову человека, а одежду и интерьер заканчивали за них их ученики. Часто среди учеников было распределение труда – кто какой элемент картины рисует, существовали мастера отдельно по одежде и отдельно по интерьеру и даже по рисованию каких-то отдельных деталей, например, драпировок.

В современном искусстве немного потерял свою популярность портрет – живопись сейчас подвержена другой моде, другим жанрам, однако позиции портрета всё же достаточно высоки. Только в современном мире получает заказ художник нарисовать портрет не монарха или аристократа, а должностных лиц для правительства, компании или клуба. Для семейных коллекций также часто заказывают портреты частных лиц.

Разные виды портретов вы сможете найти на страницах нашей Интернет галереи My Art Gallery.

Фаюмские портреты

Феномен слияния римской и древнеегипетской культур
Греки и римляне, жившие в Египте во времена династии Птолемеев (305-30 гг. до н.э.) и римской империи (30 г. до н.э. - 395 г. н.э.), оказались под сильным воздействием египетской культуры. Так, одним из самых сильных проявлений влияния древнеегипетской культуры было заимствование греками, а позднее и римлянами, обосновавшимися в Египте, древней религиозной традиции бальзамирования тел, которую практиковали египтяне. В соответствии с египетским погребальным ритуалом лицо или голову обернутой пеленами мумии покрывали маской, представлявшей собой идеализированные черты лица усопшего.

Однако в воспринятые египетские погребальные традиции были внесены новые элементы. Переосмысление римлянами значения египетской погребальной маски привело к замещению ее портретами, написанными красками на дощечках; надо отметить, что в предыдущую эпоху подобного явления не существовало, таким образом, портреты, написанные красками, возникают лишь в римский период истории страны.

Прежде всего следует уточнить термин «фаюмские портреты». Такое название портреты получили по месту обнаружения первых экземпляров в селении Эр-Рубайят близ Фаюма (Средний Египет) в 80-х годах XIX в.. Изображения представляют собой портреты жителей римского Египта I-IV веков н.э.- египтян, греков, нубийцев, евреев, сирийцев, римлян. Название «Фаюм» происходит от египетского «Па-Йом», что значит «море».
Первые портреты приобрел австрийский антиквар Теодор Граф (1840 - 1903), от которого они попали в европейские музеи и в Америку. В 1887 г. Английский археолог Флиндерс Питри обнаружил в некрополе римского города Хавары (также близ Фаюма) 90 мумий с фаюмскими портретами; кроме этого, портреты обнаружили и в других городах около Фаюмского оазиса - Арсиное, Каранисе, Фаг-эль-Гамусе, Тебтунисе. В целом в музеях мира хранятся более 700 «фаюмских портретов». Название фаюмских портретов закрепилось за этими произведениями, хотя аналогичные экземпляры были найдены и южнее - в Фивах, Антиное, Ахмиме, Ассуане.

Портреты по римскому обычаю хранились в рамках в атриуме в доме заказчика, однако после смерти изображенного на них, портрет (или его копию) клали на лицо мумии, фигурно закрепляя его слоями погребальных бинтов (это было изменение древней египетской традиции помещения на лицо мумии скульптурной маски); при этом портреты, «подгоняемые» под нужный размер, нередко грубо обрезались.

Женщины и мужчины, запечатленные на портретах, изображены в одеждах по римской моде того времени. Обычный цвет мужской одежды - белый; у женщин - белый и красный, но также зеленый, голубой или белый. Туника была украшена двумя вертикальными полосами (clavi). Серьги и ожерелья, надетые в основном на женщинах, соответствуют типам украшений, распространенных в определенную эпоху. Прически, как и женские, так и мужские следуют (правда, с опозданием) столичной моде, задаваемой императорской семьей.

Портреты преимущественно выполнялись на дощечках из кедрового или кипарисового дерева в размере 43 на 23 см при толщине около 1,6 мм. Многие экземпляры I-II веков выполнены в реалистических традициях римского портретного искусства. Кроме этого сами портреты дают определенное представление об уровне античной живописи, практически нами утраченной.

Существовало две техники исполнения фаюмских портретов - темперой и восковыми расплавленными красками (в технике энкаустики). Самые ранние и лучшие портреты были выполнены в технике энкаустики в I-II вв. н.э. Краска, являвшаяся смесью пигмента и пчелиного воска, нагревалась для облегчения ее нанесения на доску. При создании портрета использовали, по крайней мере, два основных инструмента: кисть и cestrum - металлический инструмент вроде современного тонкого ножа. Фон и общие участки цвета в основном закрашивались кистью - следы отдельных мазков чаще различимы там, где применялся cestrum, чтобы более тщательно передать моделировку лица и волос. Античная техника энкаустики, в которой написано большое количество фаюмских портретов, остается отчасти загадочной. В античности восковые краски, дававшие большие возможности для передачи пластического строения модели, играли такую же роль, как масляные в живописи позднейших времен. В отличие от энкаустики портреты, написанные темперой, выполнялись только кистью и были дешевле; краска замешивалась на яичной основе и сохла быстрее, однако уже нанесенные штрихи нельзя было исправить. Это и объясняет эффект рисунка большинства поздних «фаюмских портретов».

Со II в. портреты выполнялись прямо на холщовых погребальных пеленах, несмотря на то, что это был менее долговечный материал. Обыкновенно в заранее расписанный на определенный сюжет саван вставлялся заранее написанный портрет заказчика. Традиция реалистического изображения портретируемых удерживалась в III в., но поздние портреты исполнены в более условной манере. Объем сменила сухая контурная линия, краски стали однотонными, облик модели обрел черты аскетизма. Предпочтение, которое художник III века отдает духовному началу перед телесным, свидетельствует о важных переменах в восприятии мира жителями Римской империи в последние столетия ее существования. «Изменение всего облика искусства надо искать в больших переменах, происшедших в экономике, политике и всех сферах идеологии Римской империи того времени. Захват христианством все более широких кругов населения, развитие мистических культов Востока, развитие местных элементов культуры повлияли на формирование искусства и в особенности на фаюмский портрет, в большой мере носивший культовый характер. Портрет этот не исчезает, но изменяется стилистически. В нем по-иному осмыслен образ человека.

A Method Of Portrait Painting

The following is a summary of an experienced teacher’s method of portrait painting, as taught by him for many years with much success.

Draw in charcoal. Get the general proportions of the head in slight, yet clear, lines. In drawing the head in charcoal in order to paint, we do not go so much for outline as for effect, and always make the eyes dark masses. Place the proper masses of lights and shadows, and add principal details. If there is too much charcoal in the drawing, do not let the dust stay or it would spoil the effect of the colour. Rub the drawing over slightly and fix with fixative. Let it then dry.

Use a little vermilion in the parts where you see the most red. Little cobalt in the edges I the shadows or where it gets grey. Go ahead with the rest of the picture and the background. Never make anything hard or positive in the beginning. Get all whites covered as quickly as possible.
Leave it until it is nearly or quite dry. Now begin with the proper painting. Before you put on your colour, always take a damp cloth and wipe the picture. Do so in all subsequent paintings. Then rub lightly a little bitumen* over the whole picture. This makes the after-painting unite with the first. The same with a little oil in subsequent paintings. Use big brushes. Begin with lights. Paint the lights solidly, the half-tints less so, and the shadows very thin.

If your model has a fair complexion, it is well to use cobalt and Naples yellow thinly in the half-tints and lights, and cobalt and yellow ochre very sparingly in the shadows. Keep white out of the shadows. In a dark complexion there is hardly any green in the shadows. Use cobalt, vermilion and Naples yellow for the lights, and cobalt, vermilion, and yellow ochre, and a little bitumen very thinly for the shadows.

Keep the colours pure and fresh. Do not mix more than three colours together. Always get the original force of values of the colours in the first painting; afterward make your colours perfect by glazing and repainting. If you cannot get exactly what you want, get it as near as you can; then let it dry and glaze. The colours of the face are divided, thus: The forehead, white or yellow; the middle, red or camation; the chin, blue or cool gray.

Do not get your dark parts too black. If darks are to be worked over, do so by glazing. Do not pay too much attention to details. Do not paint like a house-painter; i.e., do not put on a smooth expanse. Let all the edges be soft. When you paint up to the hair, so paint that the hair and flesh will blend in the shadow.

In the subsequent paintings, advance by giving more attention to the characteristic details of the head, and employing delicate touches of glazing and scumbling alternately to improve and render as perfectly as possible what has already been done. Only, never do anything carelessly. Smaller brushes are only used in finishing.